Jenis Karya Seni Rupa Terapan Daerah Nusantara

Setelah mengenal dan mengetahui Pengertian Seni Rupa. Sekarang mengenal Jenis Karya Seni Rupa.

Dari setiap daerah yang ada di seantero nusantara ini memiliki hasil karya seni rupa terapan daerah. Yang mana masing-masing daerah ada ciri khasnya sendiri. Dari begitu banyak benda seni rupa terapan yang dihasilkan diberbagai daerah, diantaranya adalah Kerajian Batik.

Sejarah Kerajian Batik

Dalam perkembangan sejarah batik di Nusantara sangat berkaitan erat dengan perkembangan Kerajaan Majapahit dan kerajaan-kerajaan yang ada sesudahnya. Kain batik merupakan salah satu jenis karya yang dibuat dengan cara melukis dengan menggunakan canting serta kuas di atas kain dengan memakai bahan lilin yang dipanaskan. Hasil dari Proses membatik seperti ini di sebut dengan batik tulis. Adapun daerah penghasil batik yang tersebar di Nusantara, adalah sebagai berikut : 

a. Jawa Tengah dan Yoogyakarta

Proses Batik Tulis

Jawa Tengah adalah salah satu daerah yang menghasilkan kain batik tergolong besar di Nusantara. Corak Batik Jawa Tengah memiliki ciri yang khas serta sarat dengan makna (filosofi). Diantara daerah penghasil batik di Jawa Tengah yang paling dikenal orang adalah batik Pekalongan, Solo, dan Semarang. Selaint itu Yogyakarta juga terkenal dengan batiknya.

1)  Batik Yogyakarta dan Solo (Surakarta).

Sejarah Batik Yogyakarta merupakan pengembangan dari batik Solo. Yang mana hubungan antara kedua daerah tersebut sangat erat sekali. Batik Yogyakarta dan Batik Solo memiliki filosofi dan lebih dominan berwarna coklat dan biru tua. Begitu terkenalnya batik ini sehingga ada sekitar 4000 motif batik yang berasal dari Yogyakarta. Motif batik dari yogyakarta berupa motif parang, babon angrem, dan wahyu tumurun. dan Motif batik Solo yang bermotif sidomukti, sidoluruh, dan lereng. Perbedaan Desain Batik Yogyakarta dan Solo terlihat pada gambar disamping.

2) Batik Pekalongan dan Semarang

Batik  Pakalongan ini mempunyai corak dengan ciri pesisir dan corak ragam hias alami. Adapun corak dari Batik Pekalongan ini lebih banyak dipengaruhi oleh budaya Cina yang memiliki banyak corak warna yang lebih dominan dengan warna-warna cerah, hijau, kuning, merah dan merah muda dan juga di dominiasi motif bunga, lain lagi dengan batik semarang yang banyak di dominasi warna cokelat, kuning, hijau, dan hitam yang bermotif alam, seperti daun-daunan, bunga dan burung.

Jawa Timur Adapun daerah-daerah penghasil batik yang berasal dari Jawa Timur diantaranya Madura, Tulungagung, Pacitan, Ponorogo, Mojokerto, Tuban dan masih banyak lagi yang lainnya. Batik Madura memiliki corak yang mengandalkan motif bunga-bunga yang unik dengan pola daun-daunan, dan juga terdapat beberapa motif bat tertua, seperti ramok, sebar jagab, rumput laut, okel, dan panji lintrik. Kebanyakan mengambil warna dari bahan-bahan alam dengan warna yang mencolok.

Batik Tulungagung yang berwarna sogan (cokelat) serta biru tua dengan motif Lung (tumbuhan) dan bunga. Untuk batik Tuban, yang cukup dikenal adalah batik gedog yang memiliki ciri khas golongan batik pesisir. Adapun motif ini lebih mendominasi motif burung serta bunga. sedangkan batik Banyuwangi lebih terkenal dengan motif batik gajah uling, yang berbahan dasar kain berwarna putih.  


c. Batik Jawa Barat

d. Batik Bali

e. Batik Sumatera

Motif Batik Padang

f. Batik Kalimantan

Mengidentifikasi Karya Seni Tari Mancanegara di Luar Asia

Tari balet dikembangkan pertama kali di Italia, kemudian di Prancis dikembangkan dengan mengombinasikan musik, drama, puisi, nyanyian, kostum, dan tarian. Awalnya, anggota penari balet terdiri dari para bangsawan yang mengambil bagian sebagai pemain sandiwara. Sepanjang pemerintahan Louis XIV, yang juga seorang penari, kesenian tarian dilindungi. Seiring perkembangan zaman, penari profesional mulai mencari penari-penari amatir. Para guru tari balet mendapat izin dari Pemerintah Prancis untuk mendirikan sekolah balet yang pertama, yaitu Academie Ro\/alcde Danse yang dibuka di Paris pada tahun 1661. Tidak lama kemudian, kelompok tari balet dilembagakan untuk yang pertama kali, asosiasi akademi juga dibentuk. Kelompok tersebut semula diiringi ansambel yang dimainkan oleh kaum wanita.

Perubahan kostum dibuat, terutama untuk wanita-wanita. Perubahan ini sebagai bagian hasil Revolusi Prancis. Sepatu berhak tinggi digantikan dengan sandal, sedangkan korset dan rok longgar diganti dengan pakaian ketat. Beberapa penari balet wanita, seperti Fanny Elssler dan Marie Taglioni, mengganti sandal dengan sepatu sandal agar mampu melakukan gerakan naik dengan cepat. Ada tujuh gerakan yang disusun pada tahun 1796 dalam tarian balet, yaitu melentur, naik, meregang, meluncur, melompat, memutar, dan bergerak cepat.

Pada periode waktu antara 1830-1870 digolongkan sebagai zaman romantis dalam tari balet. Format untuk tari balet yang dikembangkan pada periode ini mengambil tema dunia nyata dan dunia tidak nyata. Kebanyakan penari balet wanita melukiskan peri yang memakai gaun putih yang sekarang disebut sebagai tutus romantis. Tari balet yang diciptakan selama kurun waktu ini mencakup Gizelle (1841), La Sylphide (1832), dan Coppelia (1870). Zaman romantis mengalami masa di mana tari balet hilang ketenarannya di Eropa Barat. Hal ini dikarenakan adanya kompetisi musik yang cenderung digemari daripada balet. Selain itu, disebabkan ketiadaan peneipta seni tari balet dan penari pria yang kuat.

St. Petersburg menjadi pusat tari balet sepanjang pertengahan abad yang ke-19. Format seni didukung oleh kaisar (Rusia) dan didukung juga dengan keberhasilan tari balet kerajaan, tari balet sekolah, tari balet Kirov, dan bakat Marius Petipa. Rok pendek mulai digunakan pada masa ini.

Banyak cerita tari balet, seperti The Nutcracker, Doti Quixote, Swan Lake, The Sleeping Beauty, dan Le Corsairc diproduksi selama periode ini. Pada masa Revolusi Rusia pertunjukan seni dilarang, tetapi Nicholas Sergeyev berhasil menyelundupkan dokumen notasi lagu dan koreografi tari balet kerajaan ke luar Rusia dan ke negara Barat. Oleh karena itu, banyak tari balet yang selamat dan masih dilakukan sampai sekarang.

Impresario Rusia Serge Diaghilev adalah pengiring instrumental tari balet Eropa Barat dan mengalami perubahan (evolusi) sampai abad ke-20. Serge Diaghilev bukan seorang penari ataupun peneipta balet, tetapi sangat menyukai balet dan berusaha melindungi balet. Ia menyatukan komposer Rusia, penari, koreografer balet, dan para perancang untuk membentuk kelompok Diaghilev Ballet Russes. Kelompok ini berkeliling Eropa dan Amerika Serikat. Diaghilev adalah tokoh yang terkemuka dalam tari balet, ia berjasa dalam meluncurkan karier seniman, seperti Anna Pavlova, Michel Fokine, Vaslav Nijinsky, dan George Balanchine.

Setelah kematian Diaghilev, kelompok ini bubar. Banyak dari penarinya keliling Eropa Barat dan Amerika Serikat. Michel Fokine bergabung derngan American Ballet Theater di tahun 1940 sebagai koreografer tari balet rakyat. George Balanchine juga datang ke Amerika dan singgah di New York City Ballet pada tahun 1934. Sementara, Balanchine mengembangkan apa yang kini dikenal sebagai balet gaya nco-classical.

Pada awal abad ke-20, ada suatu ledakan inovasi dalam gaya tarian yang ditandai oleh suatu eksplorasi gerak. Pelopor tarian modem, meliputi: Loie Fuller, Isadora Duncan, Mary Wigman, dan Ruth St. Denis. Musik pengiringnya sebagai basis untuk keserasian gerak tubuh. Selain itu, pemikiran Emile Jaques-Dalcroze sangat berpengaruh dalam perkembangan tari modem dan tari balet modem. Pengaruh tersebut dibawa para seniman terkenal, seperti Marie Rambert.

Keserasian gerak tubuh dikembangkan oleh Rudolf Steiner dan Lori Maier-Smits yang menggabungkan unsur-unsur formal tarian tradisional dengan gaya baru. Selain itu, mereka memperkenalkan istilah-istilah baru dalam seni tari. Pada tahun 1920-an, muncul gaya baru yang dibawa oleh seniman tari, seperti Martha Graham dan Doris Humphrey. Sejak itu gaya tarian kreasi baru dikembangkan secara luas.

Tari balet juga merambah Australia. Tari balet klasik mencakup tari balet Australia. Tari balet tersebut, meliputi: Australian Dattce Theater, Bnngarra Dattce Theater, Leigh Warreti & Dancers, dan Sydney Dance Cotnpany.

• Seni patung. Seni patung merupakan perwujudan ekspresi dan gagasan ke dalam karya tiga dimensi. Kemajuan seni patung di Indonesia ditandai sejak zaman Hindu-Buddha yang diwujudkan dalam bentuk arca dan relief dari batu. Patimg yang berukuran besar sering diwujudkan sebagai monumen, misalnya patung Garuda Wisnu Kencana di Bali, patung Selamat Datang di Jakarta, dan patung-patung bertema perjuangan yang tersebar di wilayah tanah air. Seni patung dalam ukuran kecil umumnya terdapat pada benda-benda kerajinan yang kebanyakan berbahan kayu, batu marmer, dan fiber. 
• Seni lukis. Seni lukis berwujud dua dimensi. Seni lukis biasanya dibuat di atas media kain kanvas, kertas, dan kaca. Peralatan yang digunakan untuk menggambar atau melukis dapat berupa cat minyak (acrylic), cat air, cat poster, dan sebagainya. Gaya penggambaran dalam melukis juga sangat beragam, yang dinamakan aliran. Aliran atau corak dalam seni lukis ini merupakan ciri khas dan keunikan yang terdapat pada karya-karya tersebut. Ada aliran realis, naturalis, ekspresionis, impresionis, abstrak, surealis, maupun romantis. Sejarah seni lukis di Indonesia dipenuhi para pelukis handal seperti Raden Saleh (perintis seni lukis Indonesia, yang hidup pada zaman perang Diponegoro), S. Sudjojono, Henk Ngantung, Affandi, Basoeki Abdullah, Pimgadi, dan masih banyak lagi.

• Seni grafis.  Seni grafis adalah seni membuat gambar dengan alat cetak (klise). Misalnya, sablon (cetak saring), cukil kayu (cetakan), etsa (pengasahan pada bahan metal), dan percetakan dengan bahan batu litho.
• Seni kriya Seni kriya berwujud dua atau tiga dimensi. Seni kriya sering disebut sebagai seni kerajinan, yaitu seni yang dibuat untuk menyajikan kebutuhan hidup sehari-hari. Tumbuh suburnya seni kriya di tanah air erat kaitannya dengan nilai komersial. Setiap pengrajin akan membuat beberapa benda pada setiap jenis seni kriya yang dibuatnya. Termasuk dalam golongan seni kriya, antara lain seni pahat, seni anyam, keramik, batik, dan tenun. 
• Seni desain Desain dalam pengertian yang sebenarnya adalah suatu gambar rancangan. Namun pengertian seni desain di sini penekanannya ialah pada produk yang dihasilkan. Sejalan dengan perkembangan industrialisasi, seni desain telah dianggap sebagai cabang seni tersendiri dalam seni rupa, karena proses, teknik, dan bentuknya yang juga memiliki kekhasan tersendiri sesuai dengan perkembangan teknologi modem. Seni desain terbagi dalam beberapa cabang, namun ada dua kelompok seni desain yang sudah populer, yaitu sebagai berikut.
• Desain Komunikasi Visual (Graphic Design/Sequential Art) Perwujudan dari desain komunikasi visual mengarah ke desain grafis, seperti poster iklan, brosur, sampul buku atau majalah, kemasan, logo, undangan, dan lain-lain. 
• Desain Produk (Product Design) Desain produk berwujud peralatan dan benda kebutuhan sehari-hari. Misalnya, perlengkapan rumah tangga, alat transportasi, pakaian, perumahan, peralatan elektronik, dan sebagainya.

Kegiatan Apresiasi Karya Seni Rupa

• Apresiasi secara langsung Proses apresiasi secara langsung dilakukan apabila pengamat berhadapan langsung dengan wujud karya seni yang diapresiasi. Dalam hal ini, pengamat dapat menilai dengan jelas bentuk, warna, tekstur, dan unsur- unsur lainnya. Pengamatan langsung dapat dilakukan dengan mengunjungi tempat-tempat pusat kerajinan, ke museum, galeri, dan lain-lain. 
• Apresiasi secara tidak langsung Proses apresiasi secara tidak langsung dilakukan melalui bantuan media tertentu. Misalnya, dari buku, foto reproduksi, media cetak, media elektronik, dan lain-lain. Apresiasi secara tidak langsung ini memang dapat dilakukan di sembarang tempat. Namun pengamatan terhadap objek karya tidak didapatkan dengan peng-hayatan secara mendalam. 

• Pengamatan terhadap objek karya Kegiatan apresiasi diawali dengan pengamatan terhadap objek karya. Dalam hal ini, pengamat berhadapan dengan karya yang diapresiasi, misalnya patung, karya batik, wayang, karya kerajinan, dan sebagainya. 
• Pemahaman atau penghayatan terhadap karya seni Tahap kedua adalah upaya memahami atau menghayati karya seni tersebut. Melalui pemahaman atau penghayatan tersebut, pengamat telah melakukan usaha untuk mengetahui lebih jauh tentang unsur-unsur rupa serta keunikan lainnya yang terdapat pada objek karya. 
• Penilaian dan penghargaan (apresiasi) Pada tahap ini, dilakukan pengambilan keputusan tentang seberapa bernilai atau berharganya suatu karya. Penilaian tersebut tentunya didasarkan pada pertimbangan-pertimbangan yang objektif.

Perkembangan Aliran Modern Tahap Ke-2

1. Fauvisme

• Kubisme Analitik : memecah obyek menjadi bentuk-bentuk geometris.
• Kubisme Sintetik : membentuk obyek dari bentuk-bentuk geometris.

3. Surealisme

4. Abstraksionisme

5. Futurisme

6. Dadaisme (1916)

Aliran ini seolah menampakkan anti soni. Mercka hanya membuat Kejutan baru (sensasi), tetapi dalam usia yang tidak lama, misalnya peniruan Monalisa yang dibubuhi kumis, susunan karcis bis yang sudah usang, kelopak mata yang robek, pemotretan yang dikerat-kerat secara mengerikan, dan kancing-kancing yang copot.

Aliran ini muncul akibat Perang Dunia I, yang membuat para seniman tampak kecewa, bahkan putus asa dengan meletusnya perang tersebut, terutama para seniman bangsa Jerman. Hal ini menjalar terus ke seluruh dunia, baik Perancis, dan Amerika. Tokoh-tokoh aliran Dadaisme:

- Marcel Duchamp (pameran Dadaisme tahun 1914)

- Tristan Tzara (Rusia)

- Hans Arp (Perancis)

7. Aliran Pop

Aliran ini berpandangan untilk masa kini dan masa yang akan datang; merupakan fakta dari kehidupan modern.

Contoh seniman aliran Pop berikut karyanya antara lain:

- Tom Wasselman dengan lukisan kamar mandi dan kakus.

- George Segall, "Patung Rock & Roll" dari Gips.

- Yoseph Beny S. dengan bekas cat yang dipagar.

Aliran ini mula-mula berkembang di Amerika Serikat tahun 1956 dengan nama "Popular Images". Dalam proses penciptaannya mereka memanfaatkan barang-barang bekas, seperti botol kecap, sepatu, dan barang-barang rongsokan.

8. Aliran Optim dan Kinetik

Pengulangan bentuk geometris atau garis-garis yang teratur rapi dan terperinci, dan kadang lukisan tampak menonjol ke luar atau menjolok jauh ke dalam inilah gambaran sepintas dan hasil lukisan yang beraliran Optik.

Lukisan ini tidak menuntut pengertian para penikmat lukisan. Bcntuknya cukup sederhana sekali, namun diproses secara ilmiah hingga tampak unik dan menarik, tidak jarang memukau penonton karena rasa penasaran terhadap hasil pandangannya yang seolah tidak yakin keadaannya. Tidak lama kemudian tersebarlah jenis poster dan produk tekstil yang berupa hiasan dinding, karpet, dan gordening.

Lukisan Aliran OP atau OPTICAL ART berkembang tahun 1960 sejak pameran "The Responsive Eye" yang diselenggarakan di New York, Amerika Serikat.

Tokohnya:

- Vasarely (seniman Perancis kelahiran Hongaria)

- Richard Anus Zkieuwiez

- Yulian Stanczak

- Andy Warkol

Aliran ini sangat bertentangan dengan lukisan Jakson Pollock dan W. de Kooning yang menggunakan teknik "Kaleng Bocor". Namun, secara fisik, Optik merupakan kelanjutan dari Abstrakisme geometric-nya Piet Mondrian dan aliran Futurisme.

Apresiasi Seni Rupa Modern Mancanegara dan Nusantara

Apresiasi Seni Klasik, Modern dan Kontemporer

1. Seni Rupa Barat Klasik

2. Seni Rupa Klasik Baru (Neo-Clasisme)

• Leonardo da Vinci (1452-1519). Seorang pelukis, pemahat, arsitek, musikus, dan ahli matematika. Lukisannya yang terkenal adalah Monalis.
• Michelangelo (1475-1564). Kukisannya yang termasyur berupa lukisan tempera di kubah Gereja St. Pieters di Roma. Selain itu ia juha membuat patung Nabi Daud dan Nabi Musa dari marmer.
• Raphael (1463-1520). Lukisannya yang terkenal adalah Madona.

Awal Perkembangan Seni Modern

Mengapresiasi Karya Seni Rupa di Daerah Setempat

Demikian pula, tema-tema lukisan S. Sudjojono, Affandi, Agus Jayasuminta, Otto Jayasuminta lebih banyak diambil dari kehidupan masyarakat kelas bawah. Hal itu dikarenakan mereka adalah seniman yang banyak bergaul dengan masyarakat biasa. Pada zaman perjuangan kemerdekaan lukisan-lukisan S. Sudjojono banyak bertemakan kehidupan rakyat yang sedang memperjuangkan kemerdekaan.

Lain lagi dengan Dede Eri Supria yang hidup di alam Indonesia setelah merdeka, maka tema-tema karya lukisnya banyak mengambil tema kehidupan masyarakat setelah kemerdekaan, seperti kehidupan tukang asongan, pengemis, dan pekerja bangunan.

Jadi, ketika kita mengamati tema suatu karya seni rupa, maka kita harus memerhatikan waktu penciptaan serta latar belakang yang melingkupi senimannya. Dengan demikian pemahaman kita terhadap suatu karya seni rupa akan lengkap.

2. Analisis Gaya dalam Karya Seni Rupa Murni

Gaya-gaya karya seni rupa Nusantara, terutama seni lukisnya, sebenarnya tidak serumit dan selengkap di Eropa. Hal ini dikarenakan sejarah seni lukis di Indonesia tidak sepanjang di Eropa.

Gaya seni rupa di Indonesia dimulai dari gaya naturalis romantisme yang terdapat dalam lukisan-lukisan Raden Saleh. Gaya ini diteruskan oleh pelukis-pelukis zaman Indonesia jelita, seperti Abdullah Suryo Subroto, Basoeki Abdullah, Henk Ngantung, dan lain-lain. Basoeki Abdullah juga kadang menampilkan gaya naturalis realisme, yaitu karya dengan gaya naturalisme, tetapi dengan sapuan lebih kasar dengan mengambil tema kejadian dalam masyarakat. Gaya naturalisme ini dipengaruhi oleh falsafah arts imitatur naturan (seni adalah imitasi alam) yang dicanangkan Aristoteles.

Gaya yang muncul kemudian adalah gaya realisme yang dimotori oleh S. Sudjojono, Affandi, dan Agus Jayasuminta. Gaya ini kemudian diramaikan oleh seniman-seniman, seperti Achmad Sadali, O.H. Supono, A.D. Pirous, Srihadi Sudarsono, dan Widayat.

Pelukis-pelukis tersebut terus bergerak mencari dan mencoba pembaruan sehingga dalam geraknya tersebut mereka berganti-ganti gaya. O.H. Supono selain melukis dengan gaya realisme pernah melukis dengan gaya surealisme, sampai akhirnya menekuni gaya impresionistik. Achmad Sadali sebelum dengan gayanya yang abstrak pernah melukis dengan gaya realisme romantisme dan kubisme. Affandi sebelum menemukan gaya ekspresif pelototannya pernah melukis dengan gaya realisme. Widayat sebelum menjadi pelukis dengan gaya dekoratif kepurbaan juga pernah menjadi pelukis dengan gaya realisme. S. Sudjojono yang kini menjadi pelukis ekspresif yang garang dan kusam, dulunya adalah pelukis realisme yang cenderung fotografis dengan media pastel.

Jadi seorang seniman kadang berganti-ganti gaya di dalam menciptakan karyanya. Hal ini dilakukan karena seorang seniman selalu melakukan pencarian-pencarian bentuk yang paling tepat bagi isi jiwanya.

Gaya, sebagai bentuk pencarian, merupakan ekspresi ketidakpuasan seniman terhadap gaya yang telah ada sebelumnya. Oleh karena itu, gaya selalu muncul dengan yang lebih baru.

Namun, dari segala gaya yang ada dan kita kenal, Howard Simon dalam bukunya Techniques of Drawing yang disadur oleh Dean Praty R. mengelompokkan menjadi bentuk abstraksi, nonobjektivisme, kubisme, surealisme, dan ekspresionisme.

a. Abstraksi

Lukisan abstrak adalah lukisan atau gambar yang menganut nilai-nilai di mana bentuk diciptakan secara alamiah, tetapi dibentuk dan ditata kembali dengan sedemikian rupa sehingga keharmonisan dan ritmenya muncul. Objek-objek dan bentuk-bentuk dipecah-pecah dalam seni ini dan membentuk komponen garis masing-masing, yang kemudian dipisah-pisah dan diletakkan dalam komposisi sesuai selera sang seniman. 

b. Kubisme

Kubisme tidak hanya merupakan usaha abstraksi yang meratakan dan menggeometriskan serta mengelompokkan kembali terhadap objek-objek alam. Terkadang, bahkan sering, berusaha keras untuk memperlihatkan bidang belakang secara simultan dengan bidang depan, sampai-sampai menggunakan transparansi.

Sheldon Cheney menggambarkan ide fundamental kubisme sebagai berikut, "Kubisme memungkinkan kita untuk memisahkan bidang-bidang dari suatu objek, serta menatanya kembali dalam sebuah gambar sehingga terorganisasi dan memberikan kesan emosional dan struktural yang lebih mumi daripada penampilan semula."

c. Ekspresionisme

Ekspresionisme mencari intensif bentuk dan struktur. Aliran ini memanfaatkan distorsi keras untuk mengekspresikan perasaan emosi sang seniman secara kreatif. Para penganut ekspresionis ini memanfaatkan alam sebagai subyeknya. Dan ekspresionisme sendiri lebih banyak menggambarkan tanggapan emosional seniman terhadap objek gambarnya.

Gambar Popo Iskandar di samping terlihat bagaimana seniman mencurahkan ekspresinya terhadap objek dengan goresan-goresan warna dan garisnya secara emosional. Distorsi keras terhadap bentuk kucing yang sebenarnya dalam media garis dan warna yang tegas dan spontan menunjukkan seniman memiliki dorongan kuat terhadap objek.

d. Nonobjektivisme

Gaya nonobjektivisme adalah gaya di mana materi komposisi didasarkan pada bentuk-bentuk geometris dan nongeometris yang sering disebut dengan istilah bentuk bebas. Bentuk ini tidak seperti bentuk-bentuk alami ataupun objek-objek yang mudah dikenali dengan garis hidup kreasinya sendiri. Selain itu, bentuk ini memisahkan diri dari objek yang biasa kita lihat sehari-hari. Warna, nilai gelap-terang (cahaya dan bayangan), serta tekstur banyak dimanfaatkan dalam melukis nonobjektif.

e. Surealisme

Gaya Surealisme adalah simbolis seni seperti yang diinterpretasikan oleh Fruedian (diambil dari teori Sigmund Frued). Terminologi lukisannya memang sebagai aliran modem, tetapi teknik penggambarannya lebih mirip naturalis realisme. Gaya surealisme sangat menonjolkan objek sehingga menjadi super-realisme. Terkadang menyerupai impian atau kesan horor.

3. Analisis Teknik dan Bahan Karya Seni Rupa Murni

Teknik dan bahan yang digunakan dalam berkarya seni rupa murni di tiap daerah sangat beragam. Munculnya variasi teknik dalam berkarya seni rupa mumi dipengaruhi beragamnya bahan dan media yang digunakan. Contohnya, seni lukis kaca di Cirebon. Teknik yang digunakan tentunya berbeda dengan seni lukis biasa yang menggunakan media kertas. Hal ini dikarenakan penggunaan media kaca yang berbeda dengan media kertas atau lainnya.

Contoh lainnya adalah melukis poster dengan cat menggunakan teknik opaque. Teknik opaque adalah teknik memberikan warna-warna yang menutup atau tidak transparan.

Teknik pewarnaan dengan cat air dibedakan menjadi teknik basah dan teknik kering. Teknik basah dilakukan dengan membasahi kertas terlebih dahulu, sedangkan teknik kering dilakukan dengan cara kertas dibiarkan kering tanpa dibasahi.

4. Analisis Bentuk Karya Seni Rupa Murni

Karya seni rupa murni dapat berbentuk dua dimensi ataupun tiga dimensi. Karya seni rupa murni dua dimensi contohnya adalah lukisan. Sementara, contoh karya seni rupa murni tiga dimensi adalah patung.

Bentuk karya seni rupa di tiap daerah memiliki ciri khas masing-masing. Misalnya, di Bali sangat terkenal dengan seni lukisan atau seni rupa dua dimensi meski seni rupa tiga dimensinya tidak kalah menarik dan diminati. Sementara itu, di Yogyakarta lebih dominan karya seni rupa tiga dimensi, terutama kerajinan perak dan seni kriyanya. Di Magelang lain lagi, karya seni patung sangat dominan di daerah ini.

Selain bentuk berdasarkan ukuran atau dimensinya yang berbeda, di tiap daerah juga memiliki ciri khas bentuk estetisnya. Contohnya, patung dari Magelang tentu berbeda dengan patung dari suku Asmat. Kalian dapat menemukan keunikan bentuk-bentuk karya seni rupa mumi di daerah kalian masing-masing, yaitu dengan mengapresiasi karya seni rupa murni dari daerah kalian.

Lukisan Karya Basoeki Abdullah yang bertemakan kegiatan di pasar malam.

Gaya dalam Karya Seni Rupa di Daerah Setempat

Teknik Pembuatan dan Bahan Karya Seni Rupa Murni Daerah Setempat

Bentuk Karya Seni Rupa Murni Daerah Setempat

a. Seni Rupa Dua Dimensi

b. Seni Rupa Tiga Dimensi

Rangkuman Apresiasi Karya Seni Kriya Mancanegara

1. Cina dikenal sebagai "ibukota" keramik di dunia. Selain karena pengrajinnya yang mahir juga karena tanah di Cina sangat bagus untuk pembuatan keramik. Ciri khas keramik Cina adalah cenderung lebih tipis, halus, bahannya lebih bagus, biasanya bermotifkan naga atau simbol-simbol tertentu yang banyak diyakini orang karena alasan fengshui-nya. Keunikan lain, produk Cina terkadang terlihat sama. Padahal jika diamati lebih dekat ternyata berbeda. Keramik Cina ada dua jenis, yakni keramik produksi Jingdczhcn dan produksi Guangzhou. Keramik Jingdezhcn relatif lebih banyak digemari konsumen karena lebih tipis, halus, dan unik model-modelnya.
2. Selain Cina, keramik yang terkenal adalah keramik Gouda dari Belanda yang menarik karena keindahan warna dan bentuknya, keramik Majolica dari Inggris yang menarik karena warnanya yang cerah dan lembut, dan keramik Carlton Ware yang menampilkan bentuk menawan.
3. Manik-manik sejak zaman lampau digunakan untuk perhiasan para wanita, seperti kalung dan gelang. Secara umum, bahan-bahan yang digunakan membuat manik-manik adalah kulit kerang, kayu, getah kayu, keramik, gerabah, lempung, tulang, batu, kaca, kamelian, akik, kuarsa, emas, dan logam. Bahan-bahan tersebut masih dapat dipilah-pilah, seperti batu terdiri atas kornelian, oniks, andesit, giok, dan kalsedon. Manik-manik dibuat dengan berbagai cara, tergantung jenis bahannya. Lubang manik-manik dibuat dengan bor dari dua arah pada pinggir manik-manik. Pembuatan manik-manik dari tanah liat dilakukan dengan melilitkan tanah pada kawat sehingga ketika kawat tersebut ditarik maka terbentuk pipa kecil dari tanah liat yang kemudian dipotong-potong dan dibakar. Manik-manik yang dibuat dari kaca diperoleh dengan membakar kaca hingga cair dan menuangkannya ke dalam cetakan. Cara lainnya adalah menusukkan sepotong kayu ke dalam cairan kaca dan memutarnya hingga kaca yang mulai mengeras merekat pada kayu. Bila kayu tersebut ditarik, maka akan menghasilkan lubang pada manik-manik.
4. Teknik pembuatan keramik di mancanegara juga bermacam-macam. Secara umum, pembuatan keramik adalah dengan teknik pilin, cetak, dan roda putar. Adapun teknik hiasan dengan cara gores, cap, kuas, dan tempel. Bahan keramik ada tiga macam, yaitu tembikar, bahan batuan, dan porselen.
5. Masyarakat Cina dan Jepang memiliki berbagai persamaan di bidang seni. Satu di antaranya ialah mereka memiliki hewan-hewan legendaris dalam kehidupan, seperti naga, singa, macan, kerbau, monyet, atau burung. Tidak mengherankan bila motif atau corak seni keramik dan batiknya banyak menggunakan hewan-hewan tersebut.
6. Di Cina terdapat empat jenis sulaman tangan, yaitu sulaman Su dari Provinsi Jiangsu, sulaman Xiang dari Provinsi Hunan, sulaman Yuc dari Provinsi Guangdong, dan sulaman Shu dari Provinsi Sichuan. Masing-masing memiliki keunikan atau ciri khas tersendiri. Sulaman Su berwarna cerah dan bentuk sulaman yang dihasilkan kelihatan seperti objek yang sebenarnya. Sulaman Xiang penuh imajinasi dan bentuk sulaman banyak mengambil motif gunung, sungai, dan binatang. Sulaman Yue sebagian besar menampilkan pola bunga dan rumput. Sementara itu, sulaman Shu tekstur yang dihasilkan tampak lebih kasar, tetapi tidak mudah kusut.
7. Alat yang digunakan dalam proses pembentukan keramik adalah roda putar. Alat ini berbentuk bundar dan terbuat dari coran semen dengan tulang besi. Bagian tengahnya sedikit cekung, pada bagian ini diletakkan kayu berbentuk bulat dan berfungsi sebagai landasan tanah liat pada waktu pembentukan. Bagian tengah dari roda putar tersebut diberi poros besi sebagai tonggak yang menghubungkan roda putar dengan lantai.
8. Teknik menghias keramik dapat dilakukan pada waktu pembentukan di atas roda putar. Caranya, bagian tepian ditekan sehingga membentuk hiasan gelombang. Selain itu, proses menghias dapat juga dilakukan setelah produk setengah kering. Caranya dengan diukir, cetak-tempel, atau dicap.
9. Teknik pengglasiran dilakukan beberapa cara, tergantung besar kecilnya produk. Barang berukuran kecil dengan cara dicelup pada cairan glasir, sedangkan produk ukuran sedang dan besar dengan cara disiram.
10. Pembakaran menggunakan tungku yang panjang dan pada bagian belakang terletak cerobong asap. Bentuknya memanjang ke belakang, bagian belakang lebih tinggi agar pemanasan merata. Tungku inilah yang pada masa dulu dikenal dengan sebutan tungku naga.
11. Salah satu tempat penghasil poci teh yang terkenal adalah Yixing di Provinsi Jiangsu, dekat kota pelabuhan terbesar, Shanghai, Cina. Poci Yixing terkenal karena bahan dasarnya hanya terdapat di sana, yaitu tanah liat ungu (purple clay).